La inteligencia artificial ya está dentro de los estudios de producción musical, y ha venido para quedarse.

Puede utilizarse para generar una voz, crear un sonido, separar stems, restaurar audio o intervenir en otras fases de una producción.

Por otra parte, plataformas como Suno o Udio permiten obtener una canción prácticamente completa a partir de unas simples instrucciones.

Ambos procesos utilizan inteligencia artificial, pero no son iguales.

Hasta ahora, el debate había quedado atrapado bajo una expresión demasiado amplia: “música hecha con IA”. En 2026, tiendas, plataformas y distribuidoras están intentando separar dos realidades muy diferentes.

Y esa distinción ya está teniendo consecuencias para productores y sellos.

Traxsource dio uno de los primeros pasos visibles dentro de las tiendas especializadas en música electrónica. Desde julio de 2026, cada pista puede aparecer clasificada como «Human-Made», «AI-Assisted», «Inconclusive» o «Not Scanned», mostrando esa información directamente al comprador. Su objetivo es aportar transparencia sin cerrar la puerta al uso creativo de estas tecnologías.

Beatport ha seguido una dirección similar, pero sin trasladar esa clasificación al público: las pistas total o mayoritariamente generadas mediante IA serán rechazadas, mientras que las producciones «AI-Assisted» seguirán siendo aceptadas y su identificación se utilizará principalmente de forma interna para sus equipos de curación.

Spotify también está incorporando información sobre IA, sin mostrar al público una clasificación como la de Traxsource. Su sistema contempla además el distintivo «AI-Persona», visible para identificar perfiles cuya identidad artística sea artificial.

Bandcamp, por su parte, ha optado por una política más tajante: desde enero no permite música o audio generado total o sustancialmente mediante IA y prohíbe cualquier uso destinado a imitar a otros artistas o estilos, reservándose el derecho a retirar contenido sospechoso de haber sido generado mediante IA.

La tendencia es clara: la industria quiere saber cada vez más sobre el papel de la IA en la música. Pero antes de etiquetarla hay que resolver una cuestión básica: ¿Qué diferencia existe entre una canción generada por IA y una canción creada por una persona que simplemente la ha utilizado como herramienta?

Aparentemente, la diferencia resulta sencilla.

Una persona puede introducir un prompt, pedir un determinado género, una voz y una estructura, recibiendo como resultado una canción prácticamente terminada. Su intervención puede limitarse a dar varias instrucciones, seleccionar una versión y publicarla.

En el otro extremo está el productor que compone, arregla y dirige una obra, pero utiliza IA para obtener una voz, un instrumento o un elemento concreto que después integra en su producción.

Las dos canciones han utilizado inteligencia artificial. Pero difícilmente puede decirse que ambas hayan sido creadas por inteligencia artificial.

Traxsource sitúa ahí su principal línea divisoria. Considera legítimo utilizar IA como herramienta dentro de un proceso creativo humano y reserva sus restricciones para el contenido enteramente generado sin una aportación creativa significativa más allá del prompt.

Una pista «AI-Assisted» puede comercializarse normalmente y ser incluida en los charts. De hecho, desde la implantación del sistema ya se han encontrado canciones con esa etiqueta dentro del Top 100 de la plataforma. Con esta maniobra, se pretende informar al consumidor de que la IA ha intervenido en el proceso, sin que ello signifique que una máquina haya creado la canción.

La frontera parece relativamente clara sobre el papel. El problema es que no todos los actores de la industria la sitúan en el mismo sitio.

Antes de llegar al público, la música debe pasar por una distribuidora, que la envía a las distintas tiendas y plataformas digitales… Y cada distribuidora aplica sus propias reglas, generando confusión e inquietud entre productores y sellos, por razones que veremos más adelante.

LabelWorx, DistroKid, LANDR, RouteNote o Too Lost, por ejemplo, aceptan música asistida por IA, siempre que se respeten los derechos de terceros y las normas particulares de cada plataforma. Algunas incluso admiten contenido completamente generado mediante IA bajo determinadas condiciones.

TuneCore, sin embargo, solo permite distribuir música creada con herramientas generativas cuando los modelos utilizados hayan sido entrenados con datasets completamente licenciados. La condición se aplica incluso cuando la IA solo interviene en una parte del proceso creativo, de modo que su criterio no depende únicamente de cuánto contenido haya generado una máquina, sino también de con qué material fue entrenada la herramienta utilizada.

The Orchard está adoptando una posición mucho más restrictiva. Según fuentes consultadas que trabajan directamente con esta distribuidora, les están rechazando lanzamientos en los que se detecta cualquier contenido generado o asistido mediante inteligencia artificial, por mínimo que sea su uso. Aunque no existe una postura oficial que explique este criterio, las propias fuentes lo relacionan con el contexto de Sony Music Entertainment, propietaria de The Orchard y actualmente en litigio con Suno y Udio por el supuesto uso de grabaciones protegidas para entrenar sus modelos generativos. Todo apunta, por tanto, a que ese conflicto está detrás de la política restrictiva sobre el uso de la IA en su catálogo.

Esta situación es surrealista para productores y sellos: una canción puede cumplir las normas de la tienda donde pretende venderse y ser rechazada antes de llegar hasta ella.

Aquí aparece otro problema: los detectores que determinan si una canción realmente contiene IA.

Un detector no conoce el proceso creativo de una canción. No ve la sesión del DAW ni sabe quién compuso, arregló o produjo cada elemento. Simplemente, analiza el archivo terminado y busca señales que asocia con sistemas generativos.

La propia Traxsource reconoce que estos sistemas pueden equivocarse y permite reclamar una clasificación aportando pruebas del proceso de producción.

Las investigaciones realizadas coinciden en algo importante: un simple cambio en el audio puede hacer que una misma música pase de ser identificada como IA a ser considerada humana, o al revés.

Por eso, una detección no demuestra cómo se hizo una canción; solo indica que el sistema ha encontrado señales que asocia con la IA.

Hay casos que ilustran perfectamente el problema: lanzamientos en los que una Extended Mix aparece identificada como «AI-Assisted» mientras que la Radio Edit de la misma producción figura como como «Human-Made».

Pero aun suponiendo que la etiqueta sea correcta, queda una incógnita mucho más importante para quien vive de vender música.

¿Qué ocurre cuando un DJ encuentra una pista que le interesa y ve junto a ella la etiqueta «AI-Assisted»?

Por ahora, no existen estudios sólidos que permitan medir hasta qué punto ese distintivo afecta a la escucha, la compra o la percepción de una producción.

Para algunos compradores puede significar simplemente que el productor utilizó inteligencia artificial como una herramienta más. Pero otros pueden interpretar, erróneamente, que esa canción la hizo una máquina.

Y ahí nace la preocupación de artistas y sellos por una posible penalización cultural: que un DJ descarte una pista al ver la etiqueta o que el uso puntual de una herramienta termine condicionando la percepción de toda la obra.

Este miedo al rechazo está empezando a provocar una reacción mucho más problemática.

En conversaciones dentro del sector comienza a aparecer una pregunta nueva: “¿Cómo puedo hacer para que las plataformas no detecten mi producción como IA?”

Y no siempre procede de alguien que haya generado una canción completa mediante un prompt; también se lo plantean productores que han compuesto, arreglado y terminado personalmente su tema, pero que han utilizado una herramienta generativa para crear uno de sus elementos.

Si se teme que la etiqueta perjudique la percepción que el público pueda tener sobre el lanzamiento, aparece la tentación de procesar o modificar el audio hasta conseguir que el detector deje de marcarlo. En definitiva, intentar engañar al sistema.

La contradicción es evidente: una medida creada para aumentar la transparencia de la IA puede terminar incentivando las técnicas para ocultar su uso.

Además, la limitada fiabilidad de los detectores provoca que tanto quien pretende esconder un uso real de IA como quien intenta corregir un falso positivo puedan acabar buscando exactamente lo mismo: conseguir que el algoritmo diga «Human-Made».

Llegados a este punto, quizá la discusión no deba centrarse únicamente en perfeccionar los detectores; también conviene preguntarse por qué estamos señalando determinadas herramientas y no otras.

Un productor puede grabar una sección completa de cuerda utilizando una librería de Kontakt sin recurrir a un violinista, o sustituir una batería real por samples de sus elementos.

Nada de eso requiere normalmente un aviso para el comprador; en las plataformas no encontramos una etiqueta que diga:

“Los violines de esta producción no fueron interpretados por una orquesta real.”

Entonces, si una canción ha sido compuesta, arreglada y producida por una persona, ¿por qué debería definirla públicamente que uno de sus elementos haya sido generado mediante IA?

Existen motivos legítimos para establecer diferencias. La inteligencia artificial generativa plantea cuestiones sobre el origen de los datasets, el consentimiento de los titulares de derechos, la clonación de voces, la imitación de artistas y la posibilidad de generar música a una escala desconocida hasta ahora.

Pero reconocer esos problemas no significa que todos los usos de IA sean equivalentes.

El precedente más evidente quizá sea el sampling: su aparición obligó a la industria a reconsiderar conceptos como autoría, propiedad y reutilización de grabaciones. La respuesta no fue prohibir el sampler ni señalar todas las canciones que lo utilizaban, sino desarrollar un marco para determinar qué usos requerían autorización y qué derechos estaban implicados.

Con la inteligencia artificial probablemente tendremos que recorrer un camino parecido: regular sus usos sin confundir necesariamente la herramienta con el autor.

Quizá el verdadero riesgo no esté en la inteligencia artificial, sino en convertir una etiqueta en un prejuicio.

La transparencia puede ser útil para entender cómo se ha creado una obra, pero no debería convertirse en un filtro previo que decida por nosotros si esa música merece ser escuchada. Y aún menos debería empujar a los productores a trabajar con miedo, esconder sus herramientas o buscar formas de engañar a un detector simplemente para evitar una palabra junto al título de su canción.

La música no debería ser juzgada por su proceso de producción sino por lo que provoca en el oyente cuando suena.

Detrás de una producción asistida por IA puede seguir existiendo una persona que elige, descarta, corrige, arriesga y toma las decisiones que terminan dando identidad a una obra. La tecnología puede estar en el estudio, pero el que sigue llevando la batuta es un humano.

Tal vez convenga recordarlo antes de convertir «AI-Assisted» en una nueva frontera entre lo que consideramos auténtico y lo que no.

Porque, al final, todo es mucho más sencillo que lo que parece: si una canción te emociona, disfrútala y no te preocupes por cómo se ha hecho.

por Tony Postigo (CEO de Noyz Records y Coordinador Nacional de AEDYP)

El proyecto de ley aprobado recientemente por el Consejo de Ministros y que pretende prohibir fumar en terrazas y espacios de ocio nocturno al aire libre así como el Real Decreto 607/2026 por el que recientemente se ha aprobado el conocido como «Estatuto del Artista», serán dos de las principales temáticas que se abordarán durante el 6º Congreso Nacional de Ocio Nocturno (CNON), que se celebrará el próximo 16 de noviembre en Barcelona. El encuentro reunirá a representantes institucionales, empresarios, profesionales y expertos para analizar algunos de los principales retos que afronta actualmente la industria del ocio nocturno en España.

Organizado por Spain Nightlife y por la Asociación Española de DJs y Productores (AEDYP), con la colaboración de la patronal catalana de ocio nocturno FECASARM y la Asociación Internacional de Ocio Nocturno (International Nightlife Association), la sexta edición del Congreso Nacional de Ocio Nocturno se celebrará en la histórica Sala La Paloma, donde también se celebrarán, al día siguiente, el 11º Congreso Internacional de Ocio Nocturno y la 11ª Gala de los Golden Moon Awards. El encuentro servirá como punto de reunión para analizar cambios normativos, intercambiar experiencias, debatir sobre los desafíos que afectan al sector y avanzar en la búsqueda de soluciones que permitan reforzar su competitividad, sostenibilidad y capacidad de adaptación a un entorno en constante transformación.

La Paloma, un escenario con más de un siglo de historia

Tal y como se ha dicho anteriormente, tanto el 6º Congreso Nacional de Ocio Nocturno como el 11º Congreso Internacional de Ocio Nocturno y la 11ª Gala de los Golden Moon Awards se celebrarán en la imponente, mítica y emblemática Sala La Paloma de Barcelona, considerada el club de ocio nocturno en funcionamiento más antiguo de Europa.

Fundada en 1903, La Paloma constituye uno de los espacios más representativos de la historia del ocio y la cultura de Barcelona. A lo largo de más de 120 años de historia, su pista de baile y su emblemática sala modernista han acogido bailes de salón, conciertos, actuaciones de artistas nacionales e internacionales y numerosos acontecimientos sociales y culturales, convirtiéndose en un auténtico símbolo de la vida nocturna barcelonesa.

Tras su reapertura en 2022, después de haber permanecido unos años sin actividad, La Paloma ha recuperado el protagonismo como uno de los espacios de referencia del ocio nocturno de la ciudad, combinando su extraordinario valor patrimonial con una programación cultural y musical de primer nivel. Su elección como sede de los tres eventos pone de manifiesto el compromiso de las entidades organizadoras por vincular el debate sobre el futuro del sector con uno de los establecimientos más emblemáticos y con mayor valor histórico de la industria del ocio nocturno a nivel europeo.

La histórica Sala La Paloma será la sede del 6º Congreso Nacional de Ocio Nocturno, del 11º Congreso Internacional de Ocio Nocturno y de la 11ª Gala de los Golden Moon Awards.

La reforma de la Ley del Tabaco, a debate

Uno de los principales ejes del 6º Congreso Nacional de Ocio Nocturno será el análisis del proyecto de ley de reforma de la Ley 28/2005 de medidas sanitarias frente al tabaquismo y reguladora de la venta, el suministro, el consumo y la publicidad de los productos del tabaco (Ley delTabaco) que recientemente ha aprobado el Consejo de Ministros y se debatirá acerca de las consecuencias que su aprobación podría tener para el sector de la hostelería y del ocio nocturno. La propuesta legislativa, actualmente pendiente de iniciar su tramitación parlamentaria, plantea la ampliación de la prohibición de fumar a terrazas de bares y restaurantes, así como a espacios de ocio nocturno al aire libre, incluyendo dicha prohibición todo tipo de productos y dispositivos que funcionan sin tabaco ni nicotina, medidas todas ellas que han suscitado un intenso debate dentro del sector.

Esta mesa redonda abordará las posibles consecuencias que la prohibición de fumar en espacios exteriores de hostelería y ocio nocturno podría tener sobre la competitividad del destino España y el mantenimiento del empleo, así como el posible desplazamiento del consumo hacia espacios no regulados o privados y sus efectos sobre la convivencia, el ruido y la seguridad. También se analizarán las posibles contradicciones entre el proyecto de ley y los criterios mantenidos anteriormente por el propio Ministerio de Sanidad respecto a determinados productos que no contienen tabaco ni nicotina, además de debatirse posibles alternativas regulatorias que permitan compatibilizar la protección de la salud pública con la viabilidad empresarial y la competitividad del sector.

Con este debate, el Congreso Nacional pretende convertirse en un espacio de reflexión y diálogo entre representantes del sector, expertos y administraciones públicas para analizar una de las reformas legislativas con mayor impacto potencial sobre el futuro del ocio nocturno en España.

AEDYP analizará el futuro de la profesión del DJ y el nuevo Estatuto del Artista

Tal y como se ha dicho anteriormente, el 6º Congreso Nacional de Ocio Nocturno contará como coorganizador con la Asociación Española de DJs y Productores (AEDYP), la cual será la encargada de dirigir la mesa redonda dedicada a analizar los principales retos que afronta actualmente la profesión del DJ y del productor musical.

En el marco de esta mesa redonda, se tratará sobre el conocido como «Estatuto del Artista«, y que fue aprobado el pasado 22 de julio a través del Real Decreto 607/2026, por el que se regula la relación laboral especial de las personas artistas que desarrollan su actividad en las artes escénicas, audiovisuales y musicales, así como de las personas que realizan actividades técnicas o auxiliares necesarias para el desarrollo de dicha actividad.

Este nuevo Estatuto del Artista incluye novedades legislativas importantes que afectan a los derechos laborales de los artistas, así como a su seguridad, protección efectiva frente a la violencia y al acoso sexual, desplazamientos y giras, derechos de propiedad intelectual, a la propia imagen y derechos digitales, entre otros muchos aspectos que suponen un cambio importante en la regulación de sus derechos y obligaciones, aspectos todos ellos que serán analizados y debatidos en esta mesa redonda.

Esta mesa de debate, donde la figura del DJ será el principal protagonista, analizará también la consideración de las actuaciones de un DJ como «musica en vivo», y se hablará sobre fiscalidad y contratación artística, así como sobre los desafíos que plantea la inteligencia artificial en la creación musical y la protección de los derechos de autor y de la propiedad intelectual. Asimismo también se abordará la evolución del equipamiento profesional y la importancia de avanzar hacia sistemas más transparentes de reporte musical (MRT), con el objetivo de garantizar un reparto más justo de los derechos generados por la utilización de obras musicales en los establecimientos de ocio nocturno.

El diseño de interiores y la proyección internacional del ocio nocturno español

El Congreso Nacional también dedicará dos mesas redondas a analizar otros aspectos estratégicos para el futuro del sector. Por un lado, expertos en arquitectura, interiorismo y ocio nocturno debatirán sobre el impacto que tienen el diseño de los espacios, la iluminación, la acústica, la distribución de los locales y la sostenibilidad en la experiencia del cliente, poniendo de relieve cómo discotecas, beach clubs y rooftops han evolucionado hacia modelos cada vez más inmersivos y experienciales.

Por otro, se analizará el papel que desempeña el ocio nocturno español como referente internacional, abordando cuestiones como el liderazgo de Ibiza, la proyección internacional de los clubes, DJs y artistas españoles, el turismo musical como herramienta de promoción de destinos y la contribución de festivales y establecimientos de ocio nocturno al fortalecimiento de la marca España.

Tras el Congreso Nacional, el día 17 de noviembre tomará el relevo el 11º Congreso Internacional El Congreso Nacional dará paso, al día siguiente, al 11º Congreso Internacional de Ocio Nocturno, que reunirá en Barcelona a destacados representantes del sector procedentes de distintos países para debatir sobre las principales tendencias que están transformando la industria a nivel mundial.

Entre los asuntos que se abordarán destacan la transformación digital de los establecimientos de ocio nocturno, la aplicación de la inteligencia artificial a la gestión y la seguridad de los locales, los nuevos modelos de colaboración entre administraciones públicas, comunidades y sector privado, la sostenibilidad como elemento estratégico para el desarrollo de la industria y el papel del ocio nocturno como impulsor del turismo, la cultura y la proyección internacional de las ciudades.

Los Golden Moon Awards y la cena de gala pondrán el broche final a las jornadas

Como cierre de ambos congresos, la noche del 17 de noviembre se celebrará la 11ª Gala de los Golden Moon Awards, organizada por la International Nightlife Association, considerada la principal ceremonia internacional de reconocimiento al sector del ocio nocturno. Durante la gala se desvelará la esperada lista de The World’s 100 Best Clubs 2026, el prestigioso ranking internacional que distingue anualmente a los cien mejores establecimientos de ocio nocturno del mundo, y se dará a conocer el establecimiento que será reconocido con el ansiado galardón a World’s Best Club 2026, máxima distinción internacional para un local de ocio nocturno.

En total pues, se entregarán 14 Golden Moon Awards correspondientes a las diferentes categorías internacionales, que reconocerán a empresas, profesionales e iniciativas que hayan destacado por su contribución al desarrollo de la industria del ocio nocturno durante el último año. Las categorías son las siguientes:

• Mejor local de Ocio Nocturno del Mundo (Número 1 en la lista de The World’s 100 Best Clubs)
• Mejor Proyecto Innovador en Ocio Nocturno del Mundo 2026.
• Local Más Sostenible del Mundo 2026.
• Mejor Iniciativa Inclusiva del Mundo del Ocio Nocturno 2026.
• Mejor Artista Revelación del Mundo del Año 2026.
• Mejor Evento del Mundo del Año 2026.
• Mejor Proyecto Colaborativo en Seguridad en Ocio Nocturno del Mundo 2026.
• Mejor Festival del Mundo del Año 2026.
• Mejor Acto de Excelencia y Protección de Clientes y Trabajadores 2026.
• Premio a la Mejor Trayectoria Empresarial en el Ocio Nocturno del Mundo 2026.
• Mejor Grupo Empresarial de Ocio Nocturno del Mundo 2026.
• Premio a la Mejor Trayectoria Profesional del Mundo como DJ 2026.
• Mejor DJ del Mundo del Año 2026.
• Mejor Fusión del Mundo entre Gastronomía y Ocio Nocturno 2026.

En las próximas semanas se dará a conocer el programa completo de ambos congresos, así como la relación de ponentes nacionales e internacionales que participarán en las distintas mesas redondas. Las jornadas volverán a reunir a algunos de los principales representantes del ocio nocturno nacional e internacional para analizar los retos, oportunidades y tendencias que marcarán el futuro de una industria estratégica para el turismo, la cultura y la economía.

Las inscripciones para asistir al 6º Congreso Nacional de Ocio Nocturno, al 11º Congreso Internacional de Ocio Nocturno y a la 11ª Gala de los Golden Moon Awards ya se encuentran abiertas. Las personas interesadas pueden formalizar su inscripción a través de la página web de la International Nightlife Association, donde, además, se irá actualizando progresivamente toda la información relativa al programa, los ponentes confirmados y el resto de novedades relacionadas con ambos eventos:

https://www.nightlifeinternational.org/es/11-congreso-internacional-de-ocio-nocturno

Desde la Asociación Española de DJs y Productores (AEDYP), deseamos expresar nuestra más sincera felicitación y reconocimiento a la notable representación de profesionales nacionales que forman parte de la programación de Tomorrowland Belgium 2026, ¡Rozando este año casi la treintena!

La consolidación y el crecimiento del talento de nuestro país en citas de envergadura internacional son un reflejo del excelente momento que atraviesa el sector en España.

A continuación, compartimos el listado de los profesionales que proyectarán la identidad de nuestra escena Electrónica en esta edición 2026 de Tomorrowland:

• Adrián Mills – @adrianxmills
• B Jones – @bjonesdj
• Blondex – @blondexmusic
• Cristina Tosio – @cristinatosio
• Cristiano Da Silva – @cristianodasilvadj
• Dave Hang – @davehangdj
• Delafino – @delafino
• Dexphase – @dexphase
• DJ Nano – @djnanoshow
• Felix Da Funk – @felixdafunk
• Fonsi Nieto – @fonsinieto10
• Fran Arés – @franaresdj
• IMHAPPY – @imhappymusic
• Indira Paganotto – @indirapaganotto
• JOYSE – @joyse_official
• Luna Fino – @luna.fino
• Lunnas – @lunnas.music
• Marta Loe – @martaloemusic
• Mzdz – @mzdz__
• Netherworld – @netherworld_official
• Nuria Scarp – @nuriascarp_music
• Oriol Calvo – @oriolcalvo
• Rayco Santos – @raycosantos
• Rebeca Ark – @rebeca_ark
• Sisu – @djsisu_
• Sofía Cristo – @sofiacristo_cristo
• Tania Moon – @tania_moon
• The Straikerz – @thestraikerz
• Valentín Huedo – @valentin.huedo
• Viktör – @viktor._music
• Wade – @wademusik

Gracias por vuestra labor en la proyección internacional de nuestra profesión y del patrimonio musical y cultural de nuestro país.

Puedes ver el line-up completo aquí: https://belgium.tomorrowland.com/en/line-up/?page=artists

Más información sobre Tomorrowland aquí: https://www.tomorrowland.com/

AEDYP – Unidos Somos Más Fuertes

A partir de ahora, samplear en Europa se mueve en un marco más claro y definido. El Tribunal de Justicia de la Unión Europea (TJUE) ha fijado por primera vez una interpretación precisa del concepto de “pastiche” aplicada al sampling, creando un marco común para los 27 países de la UE.

Esto no significa que todo valga, pero sí supone un avance importante: los productores y DJs disponen ahora de criterios más concretos para decidir cuándo pueden usar samples sin necesidad de licencia previa, siempre que se cumplan ciertas condiciones creativas.

En 1977, Kraftwerk publicó Metall Auf Metall, una pieza clave de la música electrónica. Décadas después, los productores Moses Pelham y Martin Hass utilizaron un fragmento de ese ritmo de batería —de apenas dos segundos—, en la canción Nur Mir de la rapera Sabrina Setlur, procesándolo electrónicamente y repitiéndolo en bucle.

Kraftwerk consideró que se vulneraban sus derechos como autores y demandó a los productores de Nur Mir, iniciando un litigio que recorrió los tribunales alemanes durante más de 20 años.

En 2019 —en la sentencia conocida como Pelham I—, el TJUE adoptó una postura bastante restrictiva: samplear cualquier fragmento de una grabación, aunque fuera muy corto, constituía una reproducción que infringía los derechos del productor del fonograma. La única excepción que admitía era modificar el sample hasta hacerlo completamente irreconocible para el oyente.

En ese momento, Alemania todavía no había introducido en su legislación la excepción de “pastiche”, por lo que el tribunal no pudo valorar si el uso podía ampararse en ella.

En 2021, Alemania introdujo formalmente esa exención. Ante la duda sobre cómo interpretarla en el ámbito del sampling, el Tribunal Supremo alemán planteó una nueva cuestión prejudicial al TJUE. La respuesta llegó el 14 de abril de 2026, con la sentencia Pelham II.

El término “pastiche” proviene del italiano y, en arte y literatura, se refiere a una obra que imita abiertamente el estilo, la técnica o los elementos característicos de otro autor o época, generalmente como homenaje o ejercicio creativo. No es un plagio (que pretende engañar) ni una parodia (que busca burla), sino una imitación reconocible y respetuosa que invita al público a identificar la referencia.

El concepto ya existía en la normativa europea desde la Directiva de 2001, pero carecía de una definición clara y uniforme. El TJUE lo ha concretado y adaptado al sampling de forma operativa.

Según el tribunal, el pastiche protege aquellas creaciones en las que pueden identificarse tres elementos característicos, que deben apreciarse de forma conjunta: la nueva obra debe evocar una o varias piezas preexistentes de manera reconocible, ha de diferenciarse de forma perceptible de la original (la transformación debe ser audible) y tiene que entablar un diálogo artístico o creativo con ella.

Ese diálogo puede manifestarse de muchas formas: como un homenaje, una imitación abierta del estilo, una actualización del contexto, una parodia o una crítica. Lo importante no es la intención del artista, sino que cualquier persona que conozca la obra original pueda establecer claramente esa relación creativa.

En esencia, el sample debe reconocerse, pero no sonar igual, y tiene que servir para construir una conversación artística con la pieza original. El TJUE subraya que esta excepción busca equilibrar la protección de los derechos de autor con la libertad de las artes.

 El TJUE es muy claro en este punto: no basta con que el sample funcione musicalmente o “suene bien”.

Si tomas un loop reconocible, lo mantienes prácticamente igual en tempo, tono y textura, y simplemente le añades una base y/o voces, difícilmente encajará en la excepción de pastiche. Se considerará una reproducción no autorizada, aunque construyas una canción completa a su alrededor.

Para entender mejor cómo funciona en la práctica la excepción de pastiche, veamos algunos ejemplos clásicos que encajan especialmente bien con los criterios del TJUE.

Daft Punk – “Harder, Better, Faster, Stronger” (2001)
Toman un fragmento de la canción Cola Bottle Baby de Edwin Birdsong. En lugar de usarlo tal cual, lo procesan con filtros agresivos y una estética robótica. El resultado es un himno electrónico futurista que todo el mundo identifica como una obra de Daft Punk. Aquí se cumple perfectamente el pastiche: el sample se reconoce (evoca el funk de los 70), se transforma de forma muy perceptible y establece un diálogo claro: un homenaje al funk y disco que lo lleva a la era de la música electrónica francesa.

Kanye West – “Stronger” (2007)
Kanye samplea la parte principal del propio Harder, Better, Faster, Stronger de Daft Punk. Lo desacelera ligeramente, lo coloca sobre un beat minimalista y lo convierte en un tema rap motivacional. Es un ejemplo excelente de diálogo artístico: homenajea abiertamente a Daft Punk, pero lo recontextualiza en el hip-hop de los 2000, creando un puente generacional.

Beyoncé – “Break My Soul” (2022)
Beyoncé utiliza el hook icónico del Show Me Love de Robin S., un clásico del house de los 90. Lo integra en un beat house moderno con influencias de ballroom y gospel, y cambia completamente el mensaje: del amor romántico al empoderamiento personal y laboral. El sample se reconoce, está claramente transformado y genera un diálogo entre la cultura house de los 90 y el pop actual con un fuerte componente feminista.

M.I.A. – “Paper Planes” (2007)
M.I.A. toma el riff de guitarra de Straight to Hell de The Clash y lo combina con sonidos de disparos, cajas registradoras y un beat dancehall. El resultado es una crítica social y satírica sobre inmigración y estereotipos. Aquí el diálogo es político y confrontacional: actualiza el mensaje de The Clash a la realidad de principios del siglo XXI.

Estos ejemplos ayudan a entender el espíritu del pastiche: no se trata solo de copiar un sonido que encaja bien con la producción, sino de tomar algo del pasado, transformarlo de forma audible y usarlo para decir algo nuevo, ya sea un homenaje, una actualización, una crítica o una reinterpretación estilística.

Conviene señalar, no obstante, que muchos de estos casos se realizaron con acuerdos de licencia o clearances. Su valor es principalmente ilustrativo: muestran cómo puede aplicarse creativamente el concepto de pastiche según los criterios del TJUE.

Esta sentencia reconoce algo que la práctica musical lleva décadas demostrando: el sampling puede ser una herramienta creativa legítima, especialmente en géneros como el hip-hop, el house, el reggaetón o el techno, donde la reutilización de material sonoro forma parte del lenguaje propio.

El margen de actuación se amplía, pero también se vuelve más exigente. Ya no se trata únicamente de si el fragmento es reconocible, sino de cómo se reconfigura dentro de una propuesta artística distinta. Esto da mayor seguridad jurídica a los creadores, aunque no elimina por completo los riesgos.

A pesar de esta evolución, el funcionamiento general de la industria no cambia de forma radical. El sample clearance —la obtención formal de licencias— sigue siendo la vía más segura y recomendada, especialmente en producciones con proyección comercial relevante o de alto presupuesto.

La excepción de pastiche introduce una alternativa legítima, pero no elimina la necesidad de evaluar riesgos. Si surge una controversia, el creador deberá justificar que su uso encaja dentro del marco del pastiche, lo que puede derivar en un proceso complejo y costoso. Por eso, muchos sellos y abogados especializados continúan aconsejando solicitar permisos cuando sea posible.

La sentencia del TJUE es vinculante en los 27 países de la Unión Europea, incluida España.

En nuestro país, el pastiche ya existía como excepción desde el Real Decreto-ley 24/2021 (la transposición de la Directiva europea de derechos de autor), a través de su artículo 70. Lo que hace ahora el TJUE es ampliar y clarificar ese concepto, dándole una definición más amplia y práctica que extiende notablemente su aplicación al sampling.

El caso concreto de Nur Mir regresa al Tribunal Supremo alemán para que lo resuelva aplicando estos nuevos criterios, pero la regla general ya puede (y debe) aplicarse de inmediato en toda Europa.

Fuera de la Unión Europea la sentencia no es obligatoria, aunque es previsible que sirva de referencia en otros países cuando se debatan casos similares de sampling y derechos de autor.

El TJUE ha encontrado un punto de equilibrio entre proteger los derechos de los creadores originales y permitir la evolución creativa del sampling. Ya no se trata solo de cuánto tiempo de muestra estás tomando, sino de cómo transformas ese fragmento y qué nuevo significado le das.

Con un marco más definido, el sampling creativo cuenta ahora con una base más sólida en Europa. Aun así, la prudencia y el clearance siguen siendo herramientas clave en la práctica profesional.

Para informaciones más detalladas y específicas sobre la aplicación de esta normativa europea, los socios con derechos plenos de AEDYP que tengan su cuota anual al día podrán consultar a nuestro departamento jurídico y obtener información legal.

Éste es otro de los motivos para hacerte socio de AEDYP.

¿Qué te parece esta sentencia? ¿Cambiará tu forma de trabajar en el estudio o en la cabina? Comparte tus reflexiones en los comentarios o en nuestras redes; estaremos encantados de leerte.

por Tony Postigo (CEO de Noyz Records y Delegado de Cataluña en AEDYP)

La Asociación Española de DJs y Productores (AEDYP) anuncia su incorporación al grupo de trabajo del Estatuto del Artista.

Esta integración representa una de las primeras consecuencias directas de la reunión institucional mantenida recientemente con Ernest Urtasun —ministro de Cultura— y supone un avance significativo en el reconocimiento del sector de la música electrónica dentro del ecosistema cultural español.

Por primera vez, los DJs y productores pasan a ser contemplados como artistas en el desarrollo de este marco normativo, lo que permitirá abordar de manera específica las particularidades de una actividad caracterizada por la intermitencia, la diversidad de formatos y la evolución constante de sus modelos de creación y difusión.

La participación de AEDYP en este grupo de trabajo garantiza que la voz del sector esté presente en un proceso clave para la definición de medidas en materia laboral, fiscal y de protección social, contribuyendo a la construcción de un marco más justo, coherente y adaptado a la realidad de los profesionales de la música electrónica.

Desde AEDYP, valoramos muy positivamente este paso y reiteramos nuestro compromiso de colaborar activamente con las instituciones para impulsar un desarrollo normativo que reconozca, proteja y fortalezca la actividad de DJs y productores en España.

AEDYP — UNIDOS SOMOS MÁS FUERTES.

Avances clave para el sector de la música electrónica y los DJs el 7 de abril de 2026 en Madrid en la sede del Ministerio de Cultura con el Ministro.

La Asociación Española de DJs y Productores (AEDYP) ha mantenido una reunión de trabajo con el Ministro de Cultura Ernest Urtasun en la que se han abordado temas clave para el reconocimiento y el desarrollo profesional de los DJs y productores de música electrónica en nuestro país.

A la reunión han acudido Julio Posadas en calidad de Presidente, Rafa Mendoza como Vicepresidente, Emilio López en calidad de Delegado de Madrid, y Sofía Cristo como representante.

Desde AEDYP se ha valorado muy positivamente el encuentro en la que se han tratado temas esenciales para el sector:

Hay días en los que la música te fluye sin esfuerzo, ¿cierto?

La inspiración te llega con facilidad, las mezclas se enlazan como si la magia existiera y hasta el público parece moverse en la misma frecuencia que tú.

Y luego están los otros días…

Esos días pésimos en los que nada suena como tú crees qué debería, la música parece no encajar ni contigo, ni con el público, el equipo empieza a fallar por algún lado, o peor: tú mismo te fallas.

¿Te ha pasado?

No es casualidad. Aquello que nos ocurre está directamente conectado con nuestro estado interno, con ese mundo silencioso y ruidoso a la misma vez que llamamos mente, sistema nervioso y emociones.

Tu éxito —sí, el auténtico— no empieza en una cabina ni en un escenario. Empieza dentro de ti. Puede sonar raro, estamos de acuerdo, pero voy a demostrarte artículo a artículo que esa rareza existe.

En AEDYP queremos compartir una noticia que nos hace especial ilusión. Sergei Rez, portavoz de nuestra asociación, ha sido distinguido con un premio internacional en los Skool Games, organizados por Skool.com, que recibirá próximamente en Los Ángeles.

Este reconocimiento llega gracias al éxito de La Tribu DJ, un proyecto que nació con una idea muy clara: acompañar, formar y construir una comunidad real entre DJs que desean crecer, profesionalizarse y no recorrer este camino en soledad.

La Tribu DJ se ha consolidado como un punto de encuentro para cientos de DJs de distintos países. Un espacio donde aprender, compartir experiencias y avanzar con mayor claridad en una industria tan apasionante como exigente. Detrás de esta iniciativa hay constancia, visión y un firme compromiso con la educación de calidad.

Por eso, este galardón no solo reconoce un lanzamiento exitoso, sino una forma de entender la formación DJ basada en el acompañamiento, la cercanía y el respeto por la profesión.

Para AEDYP, esta distinción tiene un valor muy especial. No solo pone en valor el trabajo de nuestro portavoz, sino que refuerza la importancia de seguir apostando por la formación, la unión del sector y la dignificación de la figura del DJ.

Desde AEDYP queremos felicitar de corazón a Sergei Rez y agradecerle su compromiso, su visión y su capacidad para aportar a la comunidad. Este reconocimiento es también un impulso para seguir avanzando juntos hacia un sector más fuerte, unido y profesional.

AEDYP
Unidos Somos Más Fuertes

En este artículo te explicamos brevemente el funcionamiento del registro y acceso a la Bolsa de Trabajo de AEDYP.

Hace unos días, Alan Parsons reveló que habían publicado música bajo su nombre, sin su permiso. No hablamos de remixes perdidos, ni de canciones inéditas rescatadas de alguna vieja bobina, sino de suplantación pura y dura. Y lo peor: no es un caso aislado.

La suplantación musical ya no es una anomalía. Es un problema sistémico, extendido y cada vez más sofisticado. Afecta a artistas independientes, a iconos internacionales, a catálogos históricos y a sellos que ven cómo su identidad sonora se contamina en cuestión de horas. Y lo preocupante es que, con la estructura actual de distribución digital, nadie está realmente protegido.

El caso Parsons se suma a una lista cada vez más larga de ejemplos que ponen en jaque al sistema. La cantante británica Emily Portman descubrió un álbum completo publicado bajo su nombre. Jeff Tweedy, Iron & Wine o Father John Misty denunciaron canciones apócrifas en sus perfiles oficiales. King Gizzard & the Lizard Wizard vio aparecer a un tal “King Lizard Wizard”, un suplantador que jugaba deliberadamente con la confusión para colarse en búsquedas, algoritmos de recomendación y oídos despistados. Todo esto sin que las plataformas detectaran nada por sí mismas.

Y entonces surge la pregunta obvia: ¿cómo es posible que cualquier persona pueda publicar música bajo tu nombre sin demostrar que eres tú? 

La respuesta no tiene glamour: las DSPs —Digital Streaming Platforms— y las distribuidoras llevan años priorizando volumen antes que verificación. La filosofía es simple: que todo el mundo suba música. Cuanta más, mejor.

Cuanto más catálogo se genere, más reproducciones conseguirán estas empresas, y más actividad tendrán. El control, si acaso, ya vendrá después. (Spoiler: nunca viene después. O llega muy tarde, cuando el daño ya está hecho).

Los scammers que operan en este terreno no necesitan sofisticación ni habilidades tecnológicas extraordinarias. Se apoyan en la automatización extrema del ecosistema digital. Producen una pista —del modo que sea, normalmente usando IA—, le ponen el nombre de un artista conocido, la suben a una distribuidora barata y esperan. El proceso automatizado se encarga del resto: la distribuidora la aprueba sin hacer preguntas, las DSPs como Spotify o Apple Music la publican sin intervención humana, los algoritmos la recomiendan —aprovechando el tirón del artista original— y el oyente, ajeno a todo, se la come sin cuestionarse nada.

La sencillez del fraude es precisamente lo más alarmante. La clave no está en el ingenio de los suplantadores, sino en la comodidad con la que el sistema les abre la puerta. Se cuelan porque nadie les pide demostrar que tienen derecho a usar ese nombre de artista.

La solución es insultantemente sencilla. No se necesita rediseñar el streaming, ni bloquear herramientas modernas como la IA, ni revolucionar el sistema. Solo hace falta algo que cualquier banco, tienda online o red social lleva años aplicando: la verificación de identidad.

Ninguna plataforma avisa automáticamente a un artista cuando aparece un nuevo lanzamiento con su nombre. Ninguna distribuidora exige demostrar que el nombre artístico que utilizas te pertenece. Ningún DSP cuenta con barreras que detecten patrones anómalos —un artista que jamás ha publicado electrónica recibiendo de pronto un EP de techno, por ejemplo—. Todo se sustenta en una fe excesiva según la cual nadie va a hacer trampas.

Son medidas simples que, en la práctica, apenas se aplican de forma seria y coherente. La responsabilidad de detectar el fraude recae en los propios artistas, que se enteran tarde, cuando el daño ya está hecho y su catálogo lleva días o semanas contaminado.

Mientras tanto, centrarse en culpabilizar a la IA de todos estos males es mirar al dedo, cuando éste señala la luna. La IA no está usurpando identidades; solo acelera lo que las personas deciden hacer. Es el usuario malintencionado quien firma metadatos falsos, quien manipula nombres y quien aprovecha las grietas del sistema. Nuestro deber es exigir control a quien tiene que ejercerlo, es decir, a los responsables de difundir nuestras creaciones musicales.

A las DSPs les interesa tener más música, más actividad y más escuchas. Las distribuidoras low-cost basan su negocio en aprobar miles de canciones al día, sin fricción. Cuanto más contenido fluya por el sistema, más monetización generan las plataformas, incluso si una fracción es fraudulenta.

En otras palabras: el sistema está diseñado para aceptar, no para filtrar.

La suplantación musical no es una anécdota ni un fenómeno marginal. Es un fallo estructural que pone en riesgo la credibilidad de cualquier artista, sin importar su tamaño o trayectoria. Y aunque la conversación pública suele desviarse hacia debates tecnológicos, lo cierto es que el verdadero problema no es la herramienta, sino el sistema que no establece límites claros.

Los impostores no desaparecerán por sí solos. Las plataformas y distribuidoras deben asumir su responsabilidad y actualizar unos procesos que se han quedado peligrosamente obsoletos para el volumen y la velocidad del mercado actual.

Proteger la identidad artística no es un capricho: es la base de todo el ecosistema. Y mientras no se traten estas suplantaciones como lo que realmente son —un fraude en toda regla—, seguiremos viendo nombres contaminados, lanzamientos falsos y catálogos vulnerables.

La música necesita controles, los artistas necesitan protección, y la industria necesita despertar de una vez.

por Tony Postigo (CEO de Noyz Records y Responsable del Área de Productores en Aedyp)