A partir de ahora, samplear en Europa se mueve en un marco más claro y definido. El Tribunal de Justicia de la Unión Europea (TJUE) ha fijado por primera vez una interpretación precisa del concepto de “pastiche” aplicada al sampling, creando un marco común para los 27 países de la UE.

Esto no significa que todo valga, pero sí supone un avance importante: los productores y DJs disponen ahora de criterios más concretos para decidir cuándo pueden usar samples sin necesidad de licencia previa, siempre que se cumplan ciertas condiciones creativas.

En 1977, Kraftwerk publicó Metall Auf Metall, una pieza clave de la música electrónica. Décadas después, los productores Moses Pelham y Martin Hass utilizaron un fragmento de ese ritmo de batería —de apenas dos segundos—, en la canción Nur Mir de la rapera Sabrina Setlur, procesándolo electrónicamente y repitiéndolo en bucle.

Kraftwerk consideró que se vulneraban sus derechos como autores y demandó a los productores de Nur Mir, iniciando un litigio que recorrió los tribunales alemanes durante más de 20 años.

En 2019 —en la sentencia conocida como Pelham I—, el TJUE adoptó una postura bastante restrictiva: samplear cualquier fragmento de una grabación, aunque fuera muy corto, constituía una reproducción que infringía los derechos del productor del fonograma. La única excepción que admitía era modificar el sample hasta hacerlo completamente irreconocible para el oyente.

En ese momento, Alemania todavía no había introducido en su legislación la excepción de “pastiche”, por lo que el tribunal no pudo valorar si el uso podía ampararse en ella.

En 2021, Alemania introdujo formalmente esa exención. Ante la duda sobre cómo interpretarla en el ámbito del sampling, el Tribunal Supremo alemán planteó una nueva cuestión prejudicial al TJUE. La respuesta llegó el 14 de abril de 2026, con la sentencia Pelham II.

El término “pastiche” proviene del italiano y, en arte y literatura, se refiere a una obra que imita abiertamente el estilo, la técnica o los elementos característicos de otro autor o época, generalmente como homenaje o ejercicio creativo. No es un plagio (que pretende engañar) ni una parodia (que busca burla), sino una imitación reconocible y respetuosa que invita al público a identificar la referencia.

El concepto ya existía en la normativa europea desde la Directiva de 2001, pero carecía de una definición clara y uniforme. El TJUE lo ha concretado y adaptado al sampling de forma operativa.

Según el tribunal, el pastiche protege aquellas creaciones en las que pueden identificarse tres elementos característicos, que deben apreciarse de forma conjunta: la nueva obra debe evocar una o varias piezas preexistentes de manera reconocible, ha de diferenciarse de forma perceptible de la original (la transformación debe ser audible) y tiene que entablar un diálogo artístico o creativo con ella.

Ese diálogo puede manifestarse de muchas formas: como un homenaje, una imitación abierta del estilo, una actualización del contexto, una parodia o una crítica. Lo importante no es la intención del artista, sino que cualquier persona que conozca la obra original pueda establecer claramente esa relación creativa.

En esencia, el sample debe reconocerse, pero no sonar igual, y tiene que servir para construir una conversación artística con la pieza original. El TJUE subraya que esta excepción busca equilibrar la protección de los derechos de autor con la libertad de las artes.

 El TJUE es muy claro en este punto: no basta con que el sample funcione musicalmente o “suene bien”.

Si tomas un loop reconocible, lo mantienes prácticamente igual en tempo, tono y textura, y simplemente le añades una base y/o voces, difícilmente encajará en la excepción de pastiche. Se considerará una reproducción no autorizada, aunque construyas una canción completa a su alrededor.

Para entender mejor cómo funciona en la práctica la excepción de pastiche, veamos algunos ejemplos clásicos que encajan especialmente bien con los criterios del TJUE.

Daft Punk – “Harder, Better, Faster, Stronger” (2001)
Toman un fragmento de la canción Cola Bottle Baby de Edwin Birdsong. En lugar de usarlo tal cual, lo procesan con filtros agresivos y una estética robótica. El resultado es un himno electrónico futurista que todo el mundo identifica como una obra de Daft Punk. Aquí se cumple perfectamente el pastiche: el sample se reconoce (evoca el funk de los 70), se transforma de forma muy perceptible y establece un diálogo claro: un homenaje al funk y disco que lo lleva a la era de la música electrónica francesa.

Kanye West – “Stronger” (2007)
Kanye samplea la parte principal del propio Harder, Better, Faster, Stronger de Daft Punk. Lo desacelera ligeramente, lo coloca sobre un beat minimalista y lo convierte en un tema rap motivacional. Es un ejemplo excelente de diálogo artístico: homenajea abiertamente a Daft Punk, pero lo recontextualiza en el hip-hop de los 2000, creando un puente generacional.

Beyoncé – “Break My Soul” (2022)
Beyoncé utiliza el hook icónico del Show Me Love de Robin S., un clásico del house de los 90. Lo integra en un beat house moderno con influencias de ballroom y gospel, y cambia completamente el mensaje: del amor romántico al empoderamiento personal y laboral. El sample se reconoce, está claramente transformado y genera un diálogo entre la cultura house de los 90 y el pop actual con un fuerte componente feminista.

M.I.A. – “Paper Planes” (2007)
M.I.A. toma el riff de guitarra de Straight to Hell de The Clash y lo combina con sonidos de disparos, cajas registradoras y un beat dancehall. El resultado es una crítica social y satírica sobre inmigración y estereotipos. Aquí el diálogo es político y confrontacional: actualiza el mensaje de The Clash a la realidad de principios del siglo XXI.

Estos ejemplos ayudan a entender el espíritu del pastiche: no se trata solo de copiar un sonido que encaja bien con la producción, sino de tomar algo del pasado, transformarlo de forma audible y usarlo para decir algo nuevo, ya sea un homenaje, una actualización, una crítica o una reinterpretación estilística.

Conviene señalar, no obstante, que muchos de estos casos se realizaron con acuerdos de licencia o clearances. Su valor es principalmente ilustrativo: muestran cómo puede aplicarse creativamente el concepto de pastiche según los criterios del TJUE.

Esta sentencia reconoce algo que la práctica musical lleva décadas demostrando: el sampling puede ser una herramienta creativa legítima, especialmente en géneros como el hip-hop, el house, el reggaetón o el techno, donde la reutilización de material sonoro forma parte del lenguaje propio.

El margen de actuación se amplía, pero también se vuelve más exigente. Ya no se trata únicamente de si el fragmento es reconocible, sino de cómo se reconfigura dentro de una propuesta artística distinta. Esto da mayor seguridad jurídica a los creadores, aunque no elimina por completo los riesgos.

A pesar de esta evolución, el funcionamiento general de la industria no cambia de forma radical. El sample clearance —la obtención formal de licencias— sigue siendo la vía más segura y recomendada, especialmente en producciones con proyección comercial relevante o de alto presupuesto.

La excepción de pastiche introduce una alternativa legítima, pero no elimina la necesidad de evaluar riesgos. Si surge una controversia, el creador deberá justificar que su uso encaja dentro del marco del pastiche, lo que puede derivar en un proceso complejo y costoso. Por eso, muchos sellos y abogados especializados continúan aconsejando solicitar permisos cuando sea posible.

La sentencia del TJUE es vinculante en los 27 países de la Unión Europea, incluida España.

En nuestro país, el pastiche ya existía como excepción desde el Real Decreto-ley 24/2021 (la transposición de la Directiva europea de derechos de autor), a través de su artículo 70. Lo que hace ahora el TJUE es ampliar y clarificar ese concepto, dándole una definición más amplia y práctica que extiende notablemente su aplicación al sampling.

El caso concreto de Nur Mir regresa al Tribunal Supremo alemán para que lo resuelva aplicando estos nuevos criterios, pero la regla general ya puede (y debe) aplicarse de inmediato en toda Europa.

Fuera de la Unión Europea la sentencia no es obligatoria, aunque es previsible que sirva de referencia en otros países cuando se debatan casos similares de sampling y derechos de autor.

El TJUE ha encontrado un punto de equilibrio entre proteger los derechos de los creadores originales y permitir la evolución creativa del sampling. Ya no se trata solo de cuánto tiempo de muestra estás tomando, sino de cómo transformas ese fragmento y qué nuevo significado le das.

Con un marco más definido, el sampling creativo cuenta ahora con una base más sólida en Europa. Aun así, la prudencia y el clearance siguen siendo herramientas clave en la práctica profesional.

Para informaciones más detalladas y específicas sobre la aplicación de esta normativa europea, los socios con derechos plenos de AEDYP que tengan su cuota anual al día podrán consultar a nuestro departamento jurídico y obtener información legal.

Éste es otro de los motivos para hacerte socio de AEDYP.

¿Qué te parece esta sentencia? ¿Cambiará tu forma de trabajar en el estudio o en la cabina? Comparte tus reflexiones en los comentarios o en nuestras redes; estaremos encantados de leerte.

por Tony Postigo (CEO de Noyz Records y Delegado de Cataluña en AEDYP)

Hace unos días, Alan Parsons reveló que habían publicado música bajo su nombre, sin su permiso. No hablamos de remixes perdidos, ni de canciones inéditas rescatadas de alguna vieja bobina, sino de suplantación pura y dura. Y lo peor: no es un caso aislado.

La suplantación musical ya no es una anomalía. Es un problema sistémico, extendido y cada vez más sofisticado. Afecta a artistas independientes, a iconos internacionales, a catálogos históricos y a sellos que ven cómo su identidad sonora se contamina en cuestión de horas. Y lo preocupante es que, con la estructura actual de distribución digital, nadie está realmente protegido.

El caso Parsons se suma a una lista cada vez más larga de ejemplos que ponen en jaque al sistema. La cantante británica Emily Portman descubrió un álbum completo publicado bajo su nombre. Jeff Tweedy, Iron & Wine o Father John Misty denunciaron canciones apócrifas en sus perfiles oficiales. King Gizzard & the Lizard Wizard vio aparecer a un tal “King Lizard Wizard”, un suplantador que jugaba deliberadamente con la confusión para colarse en búsquedas, algoritmos de recomendación y oídos despistados. Todo esto sin que las plataformas detectaran nada por sí mismas.

Y entonces surge la pregunta obvia: ¿cómo es posible que cualquier persona pueda publicar música bajo tu nombre sin demostrar que eres tú? 

La respuesta no tiene glamour: las DSPs —Digital Streaming Platforms— y las distribuidoras llevan años priorizando volumen antes que verificación. La filosofía es simple: que todo el mundo suba música. Cuanta más, mejor.

Cuanto más catálogo se genere, más reproducciones conseguirán estas empresas, y más actividad tendrán. El control, si acaso, ya vendrá después. (Spoiler: nunca viene después. O llega muy tarde, cuando el daño ya está hecho).

Los scammers que operan en este terreno no necesitan sofisticación ni habilidades tecnológicas extraordinarias. Se apoyan en la automatización extrema del ecosistema digital. Producen una pista —del modo que sea, normalmente usando IA—, le ponen el nombre de un artista conocido, la suben a una distribuidora barata y esperan. El proceso automatizado se encarga del resto: la distribuidora la aprueba sin hacer preguntas, las DSPs como Spotify o Apple Music la publican sin intervención humana, los algoritmos la recomiendan —aprovechando el tirón del artista original— y el oyente, ajeno a todo, se la come sin cuestionarse nada.

La sencillez del fraude es precisamente lo más alarmante. La clave no está en el ingenio de los suplantadores, sino en la comodidad con la que el sistema les abre la puerta. Se cuelan porque nadie les pide demostrar que tienen derecho a usar ese nombre de artista.

La solución es insultantemente sencilla. No se necesita rediseñar el streaming, ni bloquear herramientas modernas como la IA, ni revolucionar el sistema. Solo hace falta algo que cualquier banco, tienda online o red social lleva años aplicando: la verificación de identidad.

Ninguna plataforma avisa automáticamente a un artista cuando aparece un nuevo lanzamiento con su nombre. Ninguna distribuidora exige demostrar que el nombre artístico que utilizas te pertenece. Ningún DSP cuenta con barreras que detecten patrones anómalos —un artista que jamás ha publicado electrónica recibiendo de pronto un EP de techno, por ejemplo—. Todo se sustenta en una fe excesiva según la cual nadie va a hacer trampas.

Son medidas simples que, en la práctica, apenas se aplican de forma seria y coherente. La responsabilidad de detectar el fraude recae en los propios artistas, que se enteran tarde, cuando el daño ya está hecho y su catálogo lleva días o semanas contaminado.

Mientras tanto, centrarse en culpabilizar a la IA de todos estos males es mirar al dedo, cuando éste señala la luna. La IA no está usurpando identidades; solo acelera lo que las personas deciden hacer. Es el usuario malintencionado quien firma metadatos falsos, quien manipula nombres y quien aprovecha las grietas del sistema. Nuestro deber es exigir control a quien tiene que ejercerlo, es decir, a los responsables de difundir nuestras creaciones musicales.

A las DSPs les interesa tener más música, más actividad y más escuchas. Las distribuidoras low-cost basan su negocio en aprobar miles de canciones al día, sin fricción. Cuanto más contenido fluya por el sistema, más monetización generan las plataformas, incluso si una fracción es fraudulenta.

En otras palabras: el sistema está diseñado para aceptar, no para filtrar.

La suplantación musical no es una anécdota ni un fenómeno marginal. Es un fallo estructural que pone en riesgo la credibilidad de cualquier artista, sin importar su tamaño o trayectoria. Y aunque la conversación pública suele desviarse hacia debates tecnológicos, lo cierto es que el verdadero problema no es la herramienta, sino el sistema que no establece límites claros.

Los impostores no desaparecerán por sí solos. Las plataformas y distribuidoras deben asumir su responsabilidad y actualizar unos procesos que se han quedado peligrosamente obsoletos para el volumen y la velocidad del mercado actual.

Proteger la identidad artística no es un capricho: es la base de todo el ecosistema. Y mientras no se traten estas suplantaciones como lo que realmente son —un fraude en toda regla—, seguiremos viendo nombres contaminados, lanzamientos falsos y catálogos vulnerables.

La música necesita controles, los artistas necesitan protección, y la industria necesita despertar de una vez.

por Tony Postigo (CEO de Noyz Records y Responsable del Área de Productores en Aedyp)

Como ya adelantamos desde AEDYP, es oficial: Spotify vuelve al ecosistema DJ. La noticia saltó primero con Serato y Algoriddim djay, y enseguida rekordbox se sumó al movimiento. 

Esta novedad ha sido recibida con entusiasmo por muchos DJs: un catálogo de más de 100 millones de canciones, integrado directamente en el programa con solo iniciar sesión en una cuenta Premium. Sin descargas, sin pendrives y sin complicaciones. Pero, como siempre, detrás de cada gran anuncio hay una letra pequeña. Y esa letra pequeña afecta, sobre todo, a los productores musicales.

Technics celebra su 60 aniversario con una serie de eventos exclusivos en el club Moog de Barcelona, del 10 al 13 de junio de 2025.

El festival Sónar 2025 vuelve a Barcelona del 12 al 14 de junio, consolidándose como una de las citas clave para la música electrónica, la creatividad y la innovación tecnológica. Como cada año, el evento reunirá a artistas de renombre, nuevos talentos y expertos en tecnología en un espacio que combina espectáculos en vivo, conferencias y experiencias interactivas.

Boiler Room se suma a Sónar de Noche

Una de las grandes novedades de esta edición es la incorporación de Boiler Room, la plataforma global de música electrónica que desde 2010 ha impulsado más de 8.000 actuaciones en todo el mundo. Su participación en Sónar de Noche se extenderá a las noches del viernes 13 y sábado 14 de junio, con dos programaciones distintas que serán anunciadas próximamente.

Artistas Nacionales e Internacionales

El cartel de Sónar 2025 incluye una amplia selección de artistas internacionales y nacionales. Entre los nombres confirmados se encuentran: Plastikman (Richie Hawtin), que ofrecerá su primer espectáculo en una década. Nathy Peluso, presentando su nuevo álbum Grasa. Arca, Peggy Gou, BICEP (CHROMA AV/DJ), Four Tet, Eric Prydz, Honey Dijon, entre otros.

La representación española también tendrá un papel importante en el festival. Entre los artistas nacionales destacan: Andrés Campo, Indira Paganotto (que hará un B2B junto a Armin van Buuren), Cora Novoa y Samantha Hudson, aunque la programación incluirá a muchos más nombres de la escena local.

Sónar+D 2025: Tecnología y creatividad en evolución

En paralelo al festival, el congreso Sónar+D ofrecerá una serie de conferencias, paneles y experiencias interactivas centradas en tres ejes temáticos principales:

AI + Creativity: Análisis de las nuevas herramientas de inteligencia artificial aplicadas a la música y el arte.
Futuring the Creative Industries: Reflexión sobre el futuro de la producción musical y las industrias creativas.
Worlds to Come: Exploración de tecnologías emergentes como la computación cuántica, la terraformación y los viajes interestelares.

Entradas y disponibilidad

Las entradas para Sónar 2025 ya están a la venta en la página web oficial del festival, con diferentes opciones de acceso y descuentos especiales.

Para más información, visita sonar.es